艺术概论的论文【优选6篇】

艺术概论的论文 篇一：艺术的定义及其作用

艺术是人类创造的一种表达方式，通过各种形式的艺术作品，人们可以传达自己的思想、情感和价值观。艺术概论是一门研究艺术的学科，它探讨艺术的本质、发展和影响。本文将对艺术的定义及其作用进行探讨。

首先，艺术的定义是一个复杂而广泛的概念。艺术可以包括绘画、雕塑、音乐、舞蹈、戏剧等多种形式。艺术作品可以是具象的，也可以是抽象的。艺术的定义因时代、文化和个人的不同而有所变化。然而，无论怎样定义艺术，它都是一种表达和交流的方式，帮助人们理解和欣赏美。

其次，艺术的作用是多方面的。首先，艺术可以为人们提供审美的享受。通过欣赏艺术作品，人们可以感受到美的力量，从而获得愉悦和满足。其次，艺术可以表达和传达情感。艺术家通过作品表达自己的情感和思想，观众也可以通过欣赏作品而感受到其中的情感共鸣。此外，艺术还可以反映社会和时代的变化。艺术作品是时代的镜子，通过作品可以了解社会和文化的发展和变化。最后，艺术也可以激发人们的想象力和创造力。通过欣赏和参与艺术活动，人们可以开拓思维，激发灵感，从而产生新的创意和观念。

总之，艺术是一种表达和交流的方式，通过各种形式的艺术作品，人们可以传达自己的思想、情感和价值观。艺术的定义和作用是多样化的，它可以为人们提供审美的享受，表达和传达情感，反映社会和时代的变化，激发人们的想象力和创造力。在艺术概论中，我们应该深入探讨艺术的本质和意义，从而更好地理解和欣赏艺术。

艺术概论的论文 篇二：艺术的发展与影响

艺术是人类文明的重要组成部分，它随着时间的推移发展演变，并对社会和个人产生了深远的影响。本文将探讨艺术的发展与影响。

首先，艺术的发展是与社会和历史背景紧密相关的。艺术的形式和内容随着时代的变迁而不断演变。古代的洞穴壁画和雕塑作品反映了人类最早的艺术表现形式。文艺复兴时期的绘画和雕塑作品体现了人文主义的思想。现代艺术则更加注重个体的表达和自由创作。艺术的发展与时代的变化密不可分，它反映了人类社会和文化的发展进程。

其次，艺术对社会和个人都有着深远的影响。艺术作品可以激发人们的情感和思考。通过欣赏艺术作品，人们可以感受到美的力量，获得审美的享受。艺术作品也可以传递社会和政治的信息，引发人们对社会问题的思考和讨论。此外，艺术还可以塑造和改变社会的价值观和文化。艺术家通过作品表达自己的思想和观点，影响着观众的思想和行为。艺术还可以成为社会和个人的精神寄托，帮助人们寻找自我认同和意义。

最后，艺术的发展和影响是一个不断变化的过程。随着科技的进步和社会的变革，艺术也在不断创新和发展。新的艺术形式和创作方式不断涌现，对社会和个人产生新的影响。艺术的发展和影响是一个相互作用的过程，艺术家和观众之间的互动和反馈是推动艺术进步的重要因素。

总之，艺术的发展与影响是一个多方面的过程。它与社会和历史背景紧密相关，反映了人类社会和文化的发展。艺术对社会和个人都有着深远的影响，它可以激发情感和思考，传递信息和观点，塑造价值观和文化。艺术的发展和影响是一个不断变化的过程，它需要我们去关注和理解，从而更好地欣赏和体验艺术的魅力。

艺术概论的论文 篇三

　　摘 要：

舞蹈与我们的日常行为生活坚持着十分亲密的关联。简而言之，舞蹈是一种特殊的人体动作。但是，这种人体动作必需是树立在提炼组织及加工的基础上的，是一种美化了的人体动作。并且，能够划分到人体动作范畴中的艺术包含了很多种，例如人体雕塑哑剧等艺术方式。因而，将舞蹈的动作作为艺术展现的主要手段应用动作的组合表现文字及言语难以表现的人物内心的情感变化是舞蹈区别于其它类型的人体动作艺术的最主要的方面。舞蹈能够应用本身的形象性，充沛表达舞蹈编导的审美思想及情感，从而将生活的审美属性形象而生动的展现出来。

　　关键词：

舞蹈艺术；本质；特征

　　一、前言

　　发明者思想及情感活动的过程便是艺术发明的活动，在这一发明过程中，发明者需求一直坚持昂扬的热情。舞蹈扮演是一种综合艺术的表现，并不是简单舞姿动作的罗列，而是在一定的角色情感内，扮演的艺术生命形象，应用音乐节拍与动作的圆满契合，表达出内心的情感思想。所以，舞蹈演员不只仅要具备扎实的舞蹈功底，更需求具备扮演才能，唯有具备了充足组织要素，才干充沛演绎出扮演角色的情感脉络，从而更好的将技术与技巧发挥到极致，使得舞蹈艺术迸发出绚烂的生命力与发明力。但是由于持久以来，关于舞蹈扮演的探求缺乏科学性及系统性，所以舞蹈扮演理论还相对单薄，从而使得舞蹈艺术理论发展相对滞后。作为人类生活中一种普通的社会现象，舞蹈艺术的来源与发展同样是由众多历史要素共同促成的，并不是独立存在的，所以人们主张“劳动综合论”还是有一定道理的，所谓的“劳动综合论”其实就是人类生存发展的理论过程才是舞蹈真正的来源，属于生活理论的一种详细需求，详细来讲，舞蹈主要产生于人类为了生存所进行的劳动 健身及性爱等行为活动的重现。

　　二、舞蹈的本质

　　人的本身生命活动的深入表现与肯定便是艺术。借用马克思主义的理念进行诠释：艺术均是按照固定的规律及需求中所进行的一种特殊的艺术消费活动，为了保证人类审美需求得到满足而发明出的精神发明物便是艺术作品。换而言之，艺术便是将生动详细的形象思想转变为思想方式来对整个世界做出形象认知，并将其作为人的自我确认的有效的思想存在物。所以，这就很容易了解，人类社会照旧存在那么多的舞蹈文化的场面，主要是由于两个方面的缘由形成的，其一是由于在人类生存的范畴内，绝大局部的艺术范畴曾经逐步演化成舞蹈艺术所要表现的真实对象，但是尤为重要的层面是由于人自身所固有的思想认识决议的，需求应用灵魂与精神的完整统一来完成本身生命生机的充沛展现，从而有效的将人物内心的思想情感及理想志趣表现出来。舞蹈主要是以人体作为扮演工具，应用人体动作作为言语，应用情感作为基本元素的特殊的变现性艺术方式。站在本质角度进行分析，舞蹈属于人的精神衍生品，舞蹈的产生与发展与人们的精神需求坚持着亲密的关联。一旦短少了人类的想象力与发明力，舞蹈艺术将荡然无存。

　　相关于舞蹈自身来讲，自其降生之日起便与人们大众的详细需求一直坚持着亲密的关联，并不是为专业者所独有。但是由于历史上理想缘由的障碍，使得原有的根本理念被人们无视了。以至会呈现超乎寻常的不合逻辑的错觉，在历史上存在诸多实例能够证明这一点。关于舞蹈的呈现与发展，终究是由我们的个人认识决议，还是人民大众的理想需求所把握？这将是我们探求舞蹈本质的工具及手段。所以，站在舞蹈艺术现象的角度进行合理分析，舞蹈是作为社会的某一种认识形态及人文形态存在的，属于人民群众保证自我精神满足的一种潜在的文化认识的自然表现，大致涵盖了舞蹈审美的思想情味及理念等多个层面。因而，我大胆猜想：由人民群众作为参与角色的，具有社会属性的舞蹈艺术活动才是舞蹈最基本的属性。

　　三、舞蹈艺术的特征

　　（一）心意性

　　艺术总会为某一特定的目的效劳，舞蹈所要表现的层面以及表现的方式均遭到人民大众整体认识的左右，同时在一定水平上也反映出人民群众整体的行为思想及审美观念。经过对舞蹈历史进行深化透析探求发现：舞蹈作品的思想及心情总具有一定的缺陷性，经过作品我们能够明晰地感遭到创作者内心的心情，洞察其心灵。作品今年具有明显的倾向性，不论是政治道德还是情感倾向。固然不同作品所强调的偏重点有所不同，但是均可以明晰而深入地领悟到创作者的思想与信心。特别明显的是作品阐发的精神所折射出的时期烙印。所折射出的内涵总是以人民大众的内心意愿为动身点，汇合了人民大众的意志与情感，从而凸显出最具有时期特征的理想而典型的心境心情。舞蹈作品总会应用其真诚而深入的情感来影响并打动别人，激起人们内心的情感，使之产生激烈共鸣。虚空的世界并不是创作的灵感的来源，从最初的感遭到构思架构，一切环节均选取理想生活中的素材作为情感及内涵的载体，使得作品的情感与理想生活坚持最形象地统一性，不再留情于表层，而是具有最深入 最鲜明的时期烙印。

　　（二）情味性

　　包括非具象的笼统艺术在内的一切艺术作品均需求传达一定的内涵。艺术的传达与艺术的鉴赏坚持着十分亲密的关联。按照美学的论点来讲，任何一部艺术作品均是在受众参与到改造的过程中完成的。一位著名的美学家奥斯本曾经说过：艺术作品的发明需求树立在充沛的目的之上，人们之间彼此交往的一种特殊形式是艺术作品最具耐久力的作用。我们应该转变关于舞蹈的传统观念，应该将其看作是与观众之间的内心的沟通。

　　所以，舞蹈作品的创作需求思索到受众的审美情味与心理趋向。舞蹈方式与大众审美情味的吻合，是舞蹈创作者经常面临的最为普遍的问题，关于这一点的概论，在过去作品中呈现了很多，在此就不加以叙说。我们需求留意的是：保证方式与表现精神的彼此契合才是创作者驾驭方式的最终的目的，假设希望获取最具魅力的方式，中心在于精确而形象的抓住大众所要突出的内心情感。但是地道的艺术作品不存在，更没有地道内容的艺术作品。所以，洞察大众的整体的审美情味与心理才是有效把握舞蹈根本大众情味性的关键。

　　（三）愉悦性

　　人们大众为了最大水平的满足本身的精神需求，并保证自我本质的完成，舞蹈便呈现了，人们能够经过舞蹈艺术形象而生动地将自在的生命运动凸显出来。换而言之，也是扮演着人们大众一种特殊的艺术活动方式的角色。舞蹈需求充沛迎兼并满足人民群众的精神文化需求，所以舞蹈本质属性在受制于人民群众的愉悦性，舞蹈并不是单独存在的个体，而是一直贯彻于大众参与的一切过程中。假设站在舞蹈任务与内涵的角度来讲，舞蹈最具普遍社会性的根基之一便是大众总体的愉悦性。主要是由于人民大众全身心投入到舞蹈艺术活动的目的是为了自我身心愉悦性的满足。舞蹈艺术最根本的大众愉悦性主要表如今舞蹈艺术大众的普遍性自发参与的积极性。

　　四、结语

　　经过上面阐述，我们进一步概括了舞蹈艺术的最本质特征：舞蹈是一种独具方式美的高难度的动作组合，舞蹈创作的终极目的便是特定情感与内涵的表达，在整个扮演过程中需求充沛满足上述一切属性，才干有效而充沛地将舞蹈艺术的内外美严密契合，从而促进舞蹈艺术扮演持续发展，并趋向于成熟。

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艺术概论的论文 篇四

　　一、何为雕塑

　　雕塑是一门古老的艺术形式，种类繁多，是多种艺术表现形式的统称，采用特定的物质材料加工出出具有实体形象的艺术作品，它是一种独立的立体造型艺术。因制作方法主要是雕刻和塑造两大类，我们常说雕是减法塑是加法，因而按制作工艺区分，雕塑可以分为雕和塑两大类。细分则分为刻、镂、塑、凿、琢、铸等各种技艺和手法。如果按照体裁来区分，雕塑又可以分为纪念性雕塑、城市雕塑、宗教雕塑、景观雕塑和架上雕塑等。按样式区分，雕塑还可以分为头像类、胸像类、半身像类、全身像类、群像类等。

　　二、雕塑的艺术语言

　　认识和研究雕塑可以从各角度切入，如雕塑流派、雕塑家、雕塑史等。但是认识和研究雕塑的最基本特质，还得从雕塑艺术语言着手。“艺术语言是艺术家创造实物与表现客观对象的精神导师。一方面，它是构成感官视觉的独特内涵，另一方面，它又是表现艺术作品内在价值体现的桥梁。”了解并研究雕塑的艺术语言形式，有助于从本质上了解雕塑艺术的发展。那么雕塑的艺术语言有哪些方面呢?具体地说有以下四点：形体、空间、材质、加工改造方式。

　　(一)形体语言

　　形状(形态)与体积，是雕塑艺术最重要、最基本的语言。雕塑家作出具备一定的空间关系、体块关系、解剖关系、动势变化等，利用材料特性制作出或具象或抽象的各种形象，客观反映现实对象，传达作业内心独白。雕塑的形体语言有表情性、空间性、可触性特点。同时雕塑的形体语言也经历了写实――变形――抽象的发展历程。

　　1.表情性：雕塑的变现性具备其独有的艺术表情，其强烈的视觉冲击力会带个观赏者不尽相同的观展感受。不相同的雕塑作品，可以唤起人们的审美情感，加强作品表现力。例如意向的表现方式可以让人感到生动、趣味性，进而唤起其对事物的深思与联想。抽象的表现方式使人感到变化与无秩序，进而引发对艺术符号的深层思考。雕塑家利用人们对形体的共同感受来进行创作，以表达自己特有的思想感情。

　　2.空间性：形体占有的空间为“实空间”，包围形体的空间叫“虚空间”;因为有了虚实空间，形体才有意义。

　　3.可触性：雕塑能够让人感知存在，这是雕塑艺术独有的特性，故雕塑也被称为“触觉艺术”。雕塑不同于绘画，具备可触碰、多角度、三维纵深等特性，可以更好地与观众互动，提高作品的艺术表现形式与多样性。

　　(二)空间语言

　　雕塑的空间语言是指雕塑自身的空间塑造关系，即雕塑作品所占的实空间和虚空间的密切关联。空间是雕塑极最为重要的表现方式，空间感看不见摸不着，但是其中用相当于绘画当中的进深感。雕塑家在制作泥塑过程中，首先需要想到的是先有空间，再有其他。如果只注意事物的表象而忽略了空间感，或者减弱空间感的表现力，将很难领会雕塑尤其是景观雕塑的魅力。观赏者变换方位从不同角度观察雕塑，实空间与虚空间的相互交替，用具象思维或抽象符号观察其无限的空间变现，也定会乐在其中。

　　(三)材质语言

　　雕塑的材料语言极大丰富，是雕塑艺术的重要载体与表现手段。雕塑所用材料不分高贵低贱，因为雕塑的一个重要的特点就是艺术与材料的合一，双方完美、高度的融合是制作优秀雕塑作品的前提条件。所谓没有材料就没有雕塑，材料对雕塑创作的重要性不言而喻。雕塑材料大体上可分为石材、木料、雕塑泥、玻璃钢等等。如木之松软、细密和温暖，使人联想到自然、生命;白大理石的坚硬、细腻、高贵，使人联想到品德的高洁，恰当地选择材料，认识和熟悉材料的性质，在加工过程中锻炼技巧和驾驭材料的本领，在作品中最大限度地挖掘和发挥材料的材质美，是每个雕塑家应具备的能力。

　　(四)加工改造方式语言

　　雕塑后期加工所呈现出的技术美，亦是雕塑具有独特魅力的重要因素。雕塑家对材料的特性需要做到心知肚明、了然于心，最后作品的诞生离不开艺术家对材料的极致追求，在加工过程也是艺术创作的重要组成部分，每种材料都有其特有的加工制作方法，同样的一种制作材料，采用不同的加工方法也会产生不同的视觉效果。深入了解材料特性，运用合适便捷的加工工具，顺应材料特性进行加工处理，方能使雕塑作品达到思想、表现力与材料的完美统一。

　　三、总结

　　雕塑家在精心设计方案后，将材料按一定的结构加工和组织，进而形成作品，整个过程是同时、综合、全面地考虑和使用艺术语言。对于一名雕塑家来讲，能够熟练并有效的使用正确得艺术语言，并创造性的发挥其特质，进而形成有具有鲜明个性的艺术特性，十分重要。这是一个艺术家成熟与否的标志，也是进入大师行列的起点。对于欣赏者，当看到一件雕塑，如果熟悉雕塑语言的特点，就会从形体、空间关系、材料和加工方法等方面找出和其它雕塑不同的特点，更容易领会艺术家所要表现的东西。从不同艺术视角去感受，具备一定的艺术修养与文艺知识，不仅能够读懂雕塑的艺术内涵，而且可以领悟到雕塑艺术家的精神追求。

艺术概论的论文 篇五

　　摘要：艺术设计作为一门独立的艺术学科，是一门综合性极强的学科，它涉及到社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面的因素，其审美标准也随着这诸多因素的变化而改变。因而，艺术设计不仅仅是一项实践技能，更是设计者自身综合素质(如表现能力、感知能力、想象能力)的体现，所以，在高职院校艺术设计教学中应该对艺术设计思维提出更高要求。

　　关键词：艺术设计;设计思维;高职教学

　　中南大学出版社的《艺术导论》一书指出，狭义的艺术是指凡运用特定的物质手段，按照美的规律，塑造典型的艺术形象，反映社会生活，表达艺术家思想感情，并能引发人们共感共鸣、满足人们多方面审美需要的精神产品。而“设计”，顾名思义应该是“设想”与“计划”，是指将某种设想用计划执行出来，如此说来，三国时期的诸葛亮就是位设计大师，他设了许多妙计。不过诸葛亮的设计用行为表达，我们的艺术设计用形象表现，其中之道是相通的。事实上，许多领域中的事理都同艺术设计有相通性，愈多认识这种相通性，设计思考就愈加开阔和有活力。高职教育是高等教育的一个重要层次和分支，其课程不同于本科教育的学科课程，具有鲜明的、显著的职业性，基础性强的课程经改革后，更强调应用性。但固本守源，高职教育不能因为要强调实践性和职业性，而轻视基础性和思想性。

　　艺术设计作为一门独立的艺术学科，其实是一门综合性极强的学科，它涉及到社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面的因素，其审美标准也随着这诸多因素的变化而改变。因而，艺术设计不仅仅是一项实践技能，更是设计者自身综合素质(如表现能力、感知能力、想象能力)的体现，所以，在高职院校艺术设计教学中应该对艺术设计思维提出更高要求。下面，笔者将从高职教学中的艺术设计思维、高职院校艺术设计教学现状及存在的问题、高职教学中如何培养学生的艺术设计思维三个方面来分析艺术设计思维在高职教学中的缺失及重要性，从而探讨在高职教学中培养艺术设计专业学生艺术设计思维能力的方法和策略。

　　1、高职教学中的艺术设计思维

　　艺术设计是人类社会发展过程中物质功能与精神功能的完美结合，是现代化社会发展进程中的必然产物。所谓艺术设计，就是将艺术的.形式美感应用于日常生活紧密相关的设计中。设计服务于生活，而艺术设计将艺术的美感融合在服务于生活的设计中，使设计不仅具有实用功能还兼备审美功能。随着社会生产力的进步和人类经济、文化生活的日趋发展，人们生活质量得到普遍提高，简单的物质供给已经不能满足大众需求，而对精神文化提出更高的要求。因而，对艺术设计的要求不再仅仅局限于实用功能，对审美提出越来越高的要求，而且这种趋势与日俱增。艺术设计思维是艺术设计的“目标”和“发想”，有艺术设计思维的指导和引导，才能将设计在实践中上升到艺术高度，使艺术设计作品散发艺术的魅力，令享受设计作品的人赏心悦目，心旷神怡。

　　1.1艺术设计思维是艺术设计的灵魂

　　如果把设计比作一个生命的话，艺术设计思维便是设计的灵魂。人类没有灵魂便如行尸走肉，设计没有灵魂便毫无生气和特色。一个奋战在新闻前线多年的记者曾经说过，没有文学的底蕴，新闻的道路又能走多远呢?设计思维与设计的关系，就如文学和新闻的关系。只懂采访技巧和写作方法，一篇简单的新闻报道和消息撰写尚可胜任，但是如果没有文学的底蕴，在深挖新闻的深度和新闻背后的时候便不能更好的表达出来，采写的新闻稿件便没有深度和高度。设计思维之与设计也是如此，优秀的设计作品不仅以表象的形式作用于人们的感官，而更以内在的力量作用于人们的心灵。设计思维是设计作品的精髓与核心，如果一个设计作品不具备巧妙的创意思维，则会缺乏一种持久的发人深思的内涵和深层次的感召力，难以激起受众内心的共鸣。在高职艺术设计教学中培养学生的艺术设计思维是培养艺术欣赏水平和艺术设计水平的关键。

　　1.2艺术设计思维是优秀设计师应该具备的基本素养

　　作为一名优秀的设计师必须具备基本的素养有：首先是要具有良好的职业道德标准，对艺术设计有正确的理解，具备相关专业的基础知识;其次要具有良好的审美能力和美术基础，并有一定的表现能力。设计的结果是以艺术形式来表现的，所以设计作品的艺术性、表现性也是一个设计师必备的基础;最重要的是要具备艺术设计的创新思维能力。随着中国国门的逐渐打开，世界先进的设计思想与设计理念正全方位地影响和改变着中国的设计，我国的艺术设计处在一个由简单模仿到独立设计的过渡期，这个时期的设计师尤其要注重创新能力的培养。作为一名优秀的设计师应该承载引领中华民族设计界走向世界的步伐，开创世界先河上中国的艺术设计天地。在高职教学中，艺术设计专业对学生的培养不仅仅是一名机械的设计工人，而应该是具备高素养和高水准的优秀设计师。

　　1.3艺术灵感产生设计思维，设计思维指导设计实践

　　设计师顾群业在接受访谈中说道：“我认为文化是在不断融合中发展的。我们做设计，经常需要挖掘区域文化，找别人还不熟悉的文化。为什么国外的纪念品买回来大家会觉得比较新奇?因为你没见过。设计师很大程度上就是要创造别人没见过的东西，当然我以前说过，真正的“创造”是不可能的，所以设计师就会挖掘一些你还没见过的东西。走向一名成功设计师的道理是漫长而艰辛的，但前途总是光明的。顾群业谈到设计，认为在生活中通过对外界的感受产生艺术灵感，然后再将这种灵感转化成作品。简单归纳起来，就是艺术灵感来源于生活，艺术灵感产生设计思维，然后用设计思维指导设计实践才能产生优秀的设计作品。高职教学应该充分认识到艺术灵感、设计思维对设计实践的重要作用，在教学中着重激发学生灵感，培养学生艺术设计思维，并将这些运用到设计学习和实践中。

　　2、高职院校艺术设计教学现状及存在的问题

　　2.1高职院校艺术设计专业生源质量和整体素质有待进一步提高

　　近年来，我国高职院校艺术设计专业的学生不断增加，但真正因为热爱艺术，热爱设计而选择这个专业的并不占多数。从高中走向高等教育，大多数学生的目标和方向并不明确。一部分艺术设计专业学生选择这个专业不过是人云亦云，胡乱选择了这个专业，也有不少人是因为成绩不如人意，想走捷径，通过选择艺术专业课以较低分数迈入高校大门。这类学生由于本身专业选择的错位和盲目，往往造成学习兴趣和动力不足，对艺术设计的理解和认识更是缺失严重，因此，造成高等院校艺术设计专业的生源质量和整体素质参差不齐，整体水平有待进一步提高。

　　2.2高职艺术设计教学普遍存在重技能轻理论、艺术设计思维培养缺失严重的现象

　　职业教育是培养为社会直接创造价值的劳动者和专门人才的教育，基于此理论，目前的高职类艺术设计专业教学主要将注意力集中在培养学生的浅层操作技能层面，强调设计技术，而忽视了学生艺术设计思维和艺术审美教育，学生也倾向于学习一些设计技术和手法，对于艺术设计思维能力的薄弱，既没有必要的了解也缺乏足够的认知，导致现在高职院校艺术设计专业教育与艺术设计构思相脱节现象严重。

　　高职艺术设计教学普遍存在重技能轻理论以及艺术设计思维培养缺失严重的现象，是导致目前高职院校培养的优秀设计师数量不能持续上升的主要原因。实际上，职业教育承载着满足社会需求的重任，要实现高职教育的培养目标，办出高职的特色，必须以培养能力为核心，构建理论教学和实践教学相结合的教学体系，既要拓宽基础，又要注重实践，更要加强能力培养，提高综合素质。

　　3、高职教学中如何培养学生的艺术设计思维

　　高等职业教育与普通高等教育的人才培养目标和培养规格、方式不同，但具有相通性。高职教育是一种技术型、技能型教育，其培养目标是高素质的应用型人才，艺术设计作为一门实践性较强的专业在高职院校占据了一片广阔的领地。培养目标与规格的实现主要取决于人才的培养过程，高职院校在培养艺术设计专业人才的过程中，投入的设施和师资，采取的教学方法和策略等因素，对艺术设计人才的培养起着至关重要的作用。

　　3.1高职教学要重视基础课程，为设计思维培养奠定全面基础

　　现代艺术设计学是一个结构大、涉及面广、多学科关联互动的开放的学科体系，它涉及到社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面的因素。对一个优秀的设计师而言，必须具备良好的社会科学、自然科学知识，具有广泛的修养和完整的知识结构系统，才能形成科学的设计理念，形成理性和感性、逻辑和意象相结合的思维方式和表达形式。这样，在高职教学中，要让学生对文学、经济社会学、历史学、民俗学、心理学等有一定的了解，将这些学科融入到学生的艺术设计学习中。使学生不仅有较高的审美情趣，而且能对艺术进行合理的理解和优化的处理，掌握与设计有关的相关学科知识，能够不断启发创造力与灵感，从而提高艺术设计的内涵。

　　3.2高职教学应注重专业素质训练，抓好设计思维培养的关键

　　专业素质包含专业知识修养和技能。专业知识素养包含艺术史、设计史、设计概论、设计美学等基础素养，专业知识素养决定了一个设计师是否最终形成自己的设计观念和审美观念，在高职艺术设计教学中注重对学生专业知识素养的训练可以帮助学生了解中外艺术设计的传统、现状与发展趋势，可以开阔眼界，汲取精华学到新知。专业技能是设计的实际制作和动手能力以及对事物的观察和概括能力等，是设计师技能的最直观体现。高职艺术设计教学应激发学生创造的欲望，增强学生创造能力，全面提高学生素质，注重专业素质训练，抓好设计思维培养的关键。

　　3.3高职教学应多管齐下，为艺术设计思维培养创造良好的条件和环境

　　(1)要从艺术设计教育的特点出发，改革旧的教育体制，加强艺术设计教育课程建设，培养学生的自主意识和创新能力，提高艺术设计教育整体水平;(2)要切实加强艺术设计教育的管理和领导，加大设施投入，加强师资队伍建设，确保艺术设计教育的质量;(3)要探索多样化的教学方式，加强社会实践锻炼，注入参观实践法、案例教学法、设计项目实战法、教育实习法等，锻炼学生的合作能力、分析解决问题能力、交际能力及表达能力，同时使学生能及时掌握社会、企业所需的设计潮流动态;(4)要不断改善教学条件，坚持从“实践中学习”、“学习中实践”，尽快让现代教学手段走进艺术设计课堂，要多管齐下为艺术设计思维的培养创造良好的条件和环境。

　　总之，在生活质量日益提高，生活方式逐渐多元的今天，设计的目的不仅仅是一种功能的需求，它逐渐脱离物质的层面而成为人们不可或缺的一种精神需求。因此，当今的艺术设计教育应该比以前更加合理、科学，更加重视设计思维与设计表达的作用。所以，高职院校的艺术设计专业设置应该以市场为导向，以社会需求为目标，培养出基本功扎实，有一定的文化艺术修养，适应新时代设计理念和思维方式的优秀设计师。

　　参考文献：

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　　[5]赵雯.艺术设计教学中的设计思维与设计表达[J].2009(88).

艺术概论的论文 篇六

　　摘要

　　设计是文化艺术与科学技术结合的产物,文化是人类社会历史实践过程中所创造的物质文明与精神文明的总和。传统文化之于我们今天的现代设计,如鱼得水,须臾不可离开。我们的前人创造了昨天的传统文化，我们正在创造明天的传统文化,传统文化曾经成就了人类文明发展史上一个又一个辉煌，它也必将对人类不可能终止的文明发展,继续发挥着巨大的、无处不在的影响。传统文化对现代的服装、器物、建筑等的设计影响深远， 也为我们的现代设计提供了很好的思想资源。

　　[关键词」：

　　传统文化;现代设计;文化延伸

　　[正文]

　　著名民艺家张授一先生解释传统时认为 “传”即传布和流传,“统”即一脉相承的系统。传统文化总的说是指一个国家或民族由历史沿传来的思想、道德、人伦、风格、艺术、制度等，可以说是一脉相承的器物和习惯，是一种物质与精神的凝练与积淀。凡是生命力旺盛而又持久的文化——不论是外来侵略，还是自然延续——都是对原有历史文化取积极传承和阐扬态度的文化而文化是一个民族在历史上所创造并渗透于一切行为系统里的观念体系。

　　由于人类发展是在不停的进行着文化沉淀，设计作为文化的一个门类也是一样。脱离传统来谈现代设计无疑是片面的。现代设计无论怎样的发展,都必须具有相当的文化内涵,无法脱离传统文化对它的深刻影响。传统文化正在各个方面潜移默化的影响着我们的现代设计思想。传统艺术的多样性为现代设计提供了丰富的视觉语言，每一种不同的传统艺术都是一种特定的符号因素，既反映了人文意识又体现其人文精神。

　　一、设计在艺术中的体现和影响

　　首先，传统文化对现代设计影响之巨大，最有说服力的莫过于服饰的设计。中国服饰的历史源远流长，从原始社会、夏商周、春秋战国、秦汉、魏晋南北朝、隋唐、宋辽金元、明清，直到近现代，中国各阶段各民族的服饰都以其鲜明的特色为世界瞩目，在今天的时装设计中，各种元素被服装设计师反复使用。虽然因为时代的变迁，新材料的更替，工艺的进步，使设计手法有很多变化，但它们之间的传承关系却是显而易见的。

　　这种传承关系，不仅为中国的服饰文化所独有，也为其它国家和地区所常见。譬如一向以追求时尚、标新立异的欧洲服饰文化，在现代时装设计上，就常常受到古希腊—罗马艺术风格、拜占庭艺术风格、哥特艺术风格、巴洛克艺术风格、洛可可艺术风格、新古典主义艺术风格、前拉斐尔派艺术风格、20世纪初期苏联艺术风格、超现实主义艺术风格、波普艺术风格、欧普艺术风格和极限主义艺术风格等的深刻影响。这些相互影响的艺术风格，虽然都是20世纪60年代以前数千年间积淀的文化，但时至今日，仍然被现代服装设计师交替使用着，而且也常常被人们视为最摩登最时尚的流行服饰。

　　其次、传统文化对现代设计中的建筑也存在着深远的影响。.陈汉民先生在设计王府井饭店的标志时,把传统的中国结与建筑墙壁上的装饰融合起来,使我们看到这个标志时,既有中国的文化的情结,又具备现代设计的特点。贝聿铭先生更是世界公认的建筑大师,在做中国的香山饭店运用江南水乡的青砖灰瓦白墙色调,使现代建筑加上文化情怀,形成了一种共鸣。

　　在欧洲，我们看到，积淀了数千年的欧洲文化，对现代设计产生的影响，并不亚于对现代艺术的影响，它的标志性参照物就是伦敦的水晶宫、巴黎的埃菲尔铁塔和著名的香榭里舍大道。“香榭里舍”，即“乐园”的意思，是从上古的爱琴文明引申出来的，曾经为爱琴文明做出过贡献，创造了克里特文化（Crete）的克里特岛人，把自己的生命视作一次快乐的机会，把埋葬自己的墓地，或死亡时举行的超生仪式叫做“香榭里舍”。巴黎人直接把它当作自己城市的街名，本身就是对传统文化的传承。

　　再次、传统文化对现在的绘画设计也有着极其深刻的影响。其中，吴昌硕的作品浑厚博大，是传统文化精神与现代平民精神的体现，对于现代绘画影响巨大；齐白石继承了其平民精神“胆敢独造”，却将水墨画引向形式构成的极致，突破了传统绘画“不激不励，风规自远”的“中和”艺术精神；吴冠中在中国画中加入了充满变化的浓郁斑斓的丰富色彩以及现代绘画中的构成观念，将西方与东方、传统与现代化合为一。

　　《创造亚当》是米开朗基罗最著名壁画《创世纪》中的重要部分。《创世纪》是画在西斯廷礼拜堂500平方米顶棚上的巨型壁画。壁画取材于《圣经》中有关开天辟地直到洪水方舟的故事，分别名为《上帝区分黑暗与光明》、《创造日月与动植物》、《创造鱼与海中动物》、《创造亚当》、《创造夏娃》、《堕落与亚当夏娃被逐出乐园》、《诺亚筑祭坛》、《洪水》、《诺亚醉酒》等。这幅巨型壁画的魅力，不仅仅是它表现了人体的美，更是因为它把一个古老而又具有无限生命力的神话故事，展现在人们面前，让人们站在壁画面前，联想起“宇之表无极，宙之端无穷”；联想起人类起源的种种传说……这幅巨型的壁画得益于画家广博的历史文化知识，也得益于创造了古老神话的传统文化和创造这文化的古代先民。

　　最后，传统文化最现代的雕塑也有极其深远的影响。胥建国雕塑《旭日东升》，设计了一个城墙底座，寓意是厚重的历史；设计了叠式的七彩浪花，寓意是黄河流域的多元文化；设计了波涛汹涌的黄河之水上托起一轮喷薄而出的红太阳，寓意是一个古老城镇在新世纪生机勃发、光芒四射。这是一件既有现代艺术精神，又有传统文化内涵的作品。中国著名雕塑家、香港美协主席文楼先生的《银梢压春风》，展示了他继承中国文人画的神韵和现代雕塑艺术诗意的美。作品中具象与抽象的融合，浑然一体达到了炉火纯表的艺术境界。荷兰女雕塑家玛丽安娜赞扬雕塑展为操着同样一种“雕塑语言”的人进行交流，并且还为他们提供了一个交流思想、了解整个世界的机会。

　　她的作品《和平》以一个简洁形象征了世界可缺少的完整性，雕塑表面精致的放射线条象征了人类的理解和交流。刚果（金）的著名雕塑家里耀娄.利姆.穆卜安加的作品《爱之花》，继承了非洲雕刻艺术的传统，又有艺术的风采，造型优美，简洁精致。欧洲派艺术家理查德·亨特《斯芬克斯》的雕塑作品作品直接取材于斯芬克斯狮身人面像，更能使人联想起古埃及的金字塔，以及埃及的悠久而古老的文化。同时也自然联想起人类为了争取自由、平等、博爱，进行了千百万年的斗争，体现了传统文化对现代文化的延伸。

　　此外，传统艺术对现代设计中的陶器、装饰、家具室内、工业设计等等也有着深远的影响，也为我们的现代设计提供了很好的思想资源。

　　二、如何看待传统文化与现代设计的关系。

　　首先、现代设计要符合时代潮流。现代设计随着时代发展不断变化。20世纪初期，西方社会科技的快速发展，也是现代设计随着新生事物的出现溶入了许多新的内容。如飞机、汽车的、电话等新发现的不断推陈出新，对现代艺术与设计的新探索和思想上的解放，更起到了一个重要的影响因素，这是科学技术对艺术与设计的推动力，也是对人类思想解放的反作用。但是，我们也决不能因为要创新，要“前无古人，后无来者”，对传统文化一概加以否定。

　　创新，对传统文化与艺术而言，是扬弃，不是否定！如果割裂了传统文化与现代艺术设计的联系，那么，现代艺术与设计也将黯然失色，甚至会自我窒息而亡。这不是耸人听闻，也不是庸人自扰，而是历史教训。欧洲“黑暗的中世纪”，就是对传统文化的反动，其结果使欧洲文化自我窒息而亡。最后，只能掀起一场广泛深刻的文艺复兴运动，使欧洲文化死而后生，促进了欧洲资本主义的诞生和发展。

　　其次、要在继承传统文化的基础上对现代设计进行创新。传统文化与现代设计的有着紧密的关系。现代设计对传统文化应该汲取精华，然后溶入个性化和民族化。第一，个性化。个性化的设计追求，一是体现在视觉效果的“个性”上。二是体现在“个性”化的需求上。第二，民族化。不同的民族文化背景有不一样的民族思维模式，不同的民族文化会带来审美、语言沟通上的差异。美国企业文化研究专家指出：“一个强大的文化几乎是美国企业持续成功的驱动力。”的确，美国许多企业的崛起和成功，都根基于民族文化。所以独物的民族特色的设计也是推陈出新的设计思想源泉。灿烂的中华民族文化，是我们取之不尽，用

　　之不竭的源泉，有许多我们值得吸引的精华。曾经有位日本友人很尖锐地评价说；中国没有设计。尽管说得有些片面，但这也是给众多设计师敲的一个警钟，设计师必须弘扬中华民族文化，必须有民族的特色。

　　结论：

　　对于新的设计元素，我们要很好的把握。而传统文化在现代设计中被很好的应用，不得不说是一件很好的事情，作为现代的设计者，我们既能从传统文化吸取精华，又能创造属于自己属于时代的文化价值。